Форум об аниме и мечтах.

Объявление

Добро пожаловать на форум сайта Аниме и Прекрасное!
Вы попали на форум сайта Аниме и Прекрасное!
Хоть на форуме 134 человека, заходят стабильно 3-4 человека максимум! Это очень обидно... Хотелось бы увеличить посещаемость...
Если вы хотите внести какие-нибудь свои замечания или предложения, прошу писать администратору (Нарилии) или в специально отведенную тему.
Всех гостей ждем в нашем чате! ;)


Новости:
•форум: теперь можно будет комментировать новости сайта в этой категории тем. Так же создан форум сообществ. (30 января 2008 года).
•конкурсы: объявлен конкурс на лучший подарок сайту!! Подробности тут. (18 августа 2008 года).


Объявление:
Тем, кто не может нормально зайти на форум: зайдите в Профиль-Уровень безопасности-Средний. Или пришлите сообщение администратору на мейл.

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » Форум об аниме и мечтах. » Вокруг аниме » История Аниме


История Аниме

Сообщений 1 страница 12 из 12

1

Аниме, как самостоятельное направление в мультипликации и культуре, возникло в середине XX-го века. История аниме корнями уходит к началу 20-го столетия, когда японцы стали проявлять заметный интерес к импортным техникам создания рисованных фильмов. Несмотря на то, что эксперименты с анимацией проводились в Японии и до этого, первым заметным творением, относимым к аниме, стал вышедший в 1963-м сериал Осаму Тэдзуки «Astro Boy». 

В течение 1970-x аниме активно изменялось, разрывая связи со своими иностранными прародителями и рождая новые жанры, такие, как меха. Появлялись такие произведения, например, как «Lupin III» или «Mazinger Z». Многие известные сегодня режиссёры, в частности Хаяо Миядзаки и Мамору Осии, начинали свою карьеру в эти годы. К 1980-м аниме и манга широко распространились в Японии, и переживали свой так называемый «Золотой век».Были выпущены первые сериалы из цикла «Gundam», начала свой путь к вершине Румико Такахаси. Полнометражный фильм «Akira» установил в 1988-м рекорд бюджета аниме-фильма.
1990-е и 2000-е годы стали временем широкого признания аниме за пределами Японии. «Akira» и вышедший в 1995 году «Ghost in the Shell» получили известность по всему миру. В разы возросло число как поклонников аниме, так и зрителей, смотрящих его от случая к случаю. В то же время в Японии продолжали совершенствоваться технологии создания и отрисовки аниме: студии переходили на компьютерную графику, использовали вставки   
трёхмерной анимации. Не стоял на месте и прогресс в области сюжетов и произведений. Из детских мультипликационных фильмов начала XX-го века японская анимация превратилась в культуру, творящую разнообразные, серьёзные и забавные, эмоциональные и наивные, предназначенные для подростков, детей и взрослых произведения.

0

2

Первый этап японской анимации
Старейшее известное аниме, найденное в 2005 году, было создано около века назад - приблизительно в 1907 году. Короткий мультфильм состоял из пятидесяти нарисованных на ленте целлулоида кадров. Изображённый на них мальчик рисует китайские иероглифы, означающие "движущиеся картинки" (кит. 映画), затем поворачивается к зрителю, снимает шляпу и кланяется. Художник, автор этой анимации, неизвестен.

Произведения первой четверти XX века, в основном, создавались энтузиастами, которые вдохновлялись творениями своих иностранных коллег. Фильмы представляли из себя короткие - от одной до пяти минут - анимационные ленты без звукового сопровождения. Иногда сюжеты и герои таких аниме были заимствованы из западной культуры, но чаще это были экранизации старых японских сказок. К концу указанного периода длительность отдельных мультфильмов могла достигать 15-ти минут.

По различным причинам большая часть произведений этих лет к настоящему времени оказалась утрачена. Известно, однако, что некоторые из них демонстрировались на публике, и даже собирали деньги в кинотеатрах. В эпоху немого кино творили такие аниматоры, какОтэн Симокава, Дзюнъити Коти, Сэётаро Китаяма, Санаэ Ямамото (чей мультфильм "Гора, где бросали стариков", возможно, является старейшим известным именованным аниме), Ясудзи Мурата и мастер анимации теней, Нобору Офудзи. Большинство из них работало в домашних условиях, хотя их и поддерживали владельцы кинотеатров, покупая у них права на показы их творений.

Второе поколение японских аниматоров появилось в предвоенный период. К этому времени японский фольклор в аниме уступил место новым сюжетам, часто юмористическим, в западном стиле. Анимация завоевала внимание широкой общественности и интерес государства. В эти годы были приняты первые законы, ограничивающие аудиторию произведений - некоторые аниме были признаны пригодными к демонстрации только лицам старше 15 лет. С другой стороны, фильмы, содержавшие элементы обучения, всячески поддерживались и одобрялись министерством образования Японии. Сотни тысяч иен были потрачены на спонсирование таких произведений.

На аниме также отражалась общая политическая и социальная обстановка в Японии. Одной из первых ласточек наступающего милитаризма стал вышедший в 1934 -м году 11-минутный мультфильм Митуё Сэо "Рядовой второго класса Норакуро", экранизация короткого газетного комикса о невезучем псе, попавшем рядовым в армию зверей.После вторжения Японии в Китай в 1937 -м году были приняты первые законы о цензуре, которые существенно упростили контроль над производимой 
продукцией. Появилось большое количество пропагандистских аниме, снятых по заказу военных. В 1943 -м году японское правительство решило финансировать создание первого японского полнометражного мультфильма, и подрядило всё того же Митуё Сэо собрать для этой цели команду аниматоров. Нарисованный ими 74-минутный фильм "Святые морские воины Момотаро" был юношеской лентой о команде сильных бесстрашных зверей (вероятно, символизировавших японских солдат), освобождавших Индонезию и Малайзию от дьявольских рогатых пришельцев, означавших союзные войска. В апреле 1945 -го, когда он вышел, однако, такие радужные предсказания относительно исхода войны уже не представлялись возможными.

0

3

Анимация в послевоенное время
После окончания войны экономика Японии находилась в упадке. Несмотря на то, что цензура и государственное участие в создании анимации были практически сведены к нулю, сколь-либо заметных произведений не появлялось практически десять лет. Существенным препятствием развитию анимации стало также то, что с повышением длительности и сложности произведений стало невозможным работать над ними в одиночку или с небольшим числом помощников. Доморощенные студии более не могли обслуживать запросы публики, а крупные компании не возникали из-за рискованности предприятия и тяжёлого экономического положения в стране.

Ситуация изменилась с появлением в 1956 году Toei Animation , выпустившей вскоре свой первый полнометражный цветной аниме-фильм "Хакудзядэн" ("Hakujaden" , 1958). Возникновение Toei ознаменовало собой начало нового периода в развитии аниме - периода профессионального творчества. Первые полнометражные фильмы студии очень близко следовали канонам произведений Диснея, используя музыкальные и песенные вставки, а также наравне с людьми задействуя животных. Такая стилизация отчасти сохранялась в произведениях Toei Animation до 1970-х годов. Компания существует и до сих пор, оставаясь самой старой известной японской анимационной студией.

Политика Toei с самого момента её возникновения позволяла аниматором довольно свободно экспериментировать с произведениями. Хорошим примером тому является фильм Исао Такахаты "Hols: Prince of the Sun" (1968), экспериментальная, в некотором роде даже провокационная лента. "Hols" часто называют прародителем авторского или экспериментального аниме, к которому в разные периоды развития впоследствии относили многих известных режиссёров, даже Хаяо Миядзаки и Мамору Осии. На момент же своего появления фильм был необычен ещё и потому, что одним из первых отошёл от Диснеевских канонов в сторону собственных инноваций. Несмотря на некоторую правку и порядка 30 минут вырезанных сцен, "Hols: Prince of the Sun" был выпущен Toei и собрал средних размеров кассу в кинотеатрах.

Значительным вкладом раннего Toei в совеременное аниме стало использование "ключевых сцен". Широко используемый сегодня метод сокращения затрат на анимацию состоит в том, что отдельные, значительные в визуальном смысле кадры прорисовываются с гораздо большей детализацией, чем общий поток видео. Ясуо Оцука, аниматор из Toei, первым стал использовать этот приём, создав его в процессе экспериментов по упрощению работы над мультипликацией.  В 1963 году произошло ещё одно чрезвычайно важное для развития японской анимации событие. Осаму Тэдзука, известнейший японский художник, автор ряда популярнейших манг, начал выпускать на своей студии Mushi Productions первый свой анимационный телесериал, "Tetsuwan Atomu" ("Astro Boy"). Несмотря на популярное заблуждение, "Astro Boy" не был первым аниме-сериалом на японских телеэкранах, его опередил "Manga Calendar" 1962 -го. Тем не менее, именно в "Atomu" впервые использовался сквозной сюжет и постоянные персонажи. Произведения Тэдзуки на телеэкранах мгновенно обрели ту же популярность, что и их манга-прототипы, и вдохновили других художников на создание телевизионных сериалов. В ближайшие годы были сняты и показаны по телевидению такие сериалы, как "Tetsujin 28-go" Мицутэру Ёокоямы, "Jungle Emperor" Тэдзуки и "Mach Go Go Go" Тацуо Ёсиды, известный в России под названием "Спиди-гонщик".
Последнее аниме было снято на студии Tatsunoko Production , ещё одной весьма влиятельной и известной компании, появившейся в эти годы.
Поздние 1960-е ознаменовались для аниме экспериментами с формой и содержанием. Тэдзука, сторонник идеи о создании комиксов и анимации для различных возрастов, создал несколько фильмов, ориентированных на взрослую аудиторию: это были "Тысяча и одна ночь" (1969), "Клеопатра" (1970) и "Печальная Беладонна" (1973). "Беладонна" оказалась среди них самым необычным произведением - многие считают, что этот фильм даже стал идейным вдохновителем известного современного аниме "Revolutionary Girl Utena" (1997). Также в 1971   
году был начат телепоказ первого "взрослого" телесериала, "Lupin III" .

0

4

Аниме в 1970-х
В 1970-х годах рынок японского кино заметно сократился и потерял свои позиции из-за растущего конкурента - телевидения. Именно оно перетянуло к себе многих аниматоров из компании Toei, которые пошли в такие компании, как A Pro и Telecom animation. Mushi Productions обанкротились ( была восстановлена только через 4 года). В результате этого многие молодые художники были продвинуты по карьерной лестнице и достигли позиции директоров в очень короткие сроки. Приток молодых талантов дал возможность экспериментировать.

Примером таких экспериментов могут послужить серии аниме "Heidi" одного из самых известных постановщиков аниме Isao Takahata, выпущенные в 1974 году. Многие телекомпании считали, что у этого мультика не будет успеха, так как это была обычная драма, анимированная для детей, а им нужно было что-то фантастическое и увлекательное. В конце концов Хейди стало настолько популярным, что его показывали во многих европейских странах. В Японии оно стало таким популярным, что позволило Miyazaki и Takahata начать новое аниме World Masterpiece Theatre, основанное на литературном произведении. Даже несмотря на то, что Miyazaki и Takahata ушли в конце 70-х, это аниме продержалось до середины 90-х.

В 70-х также появился новый жанр - меха. Из ранних работ можно назвать Mazinger Z (1972-74), Science Ninja Team Gatchaman (1972-74), Space Battleship Yamato (1974-75) и Mobile Suit Gundam (1979-80). Эти названия показывают возрастающее влияние научной фантастики в аниме, а также переход от сюжетов с супер-героями к более реалистичным космическим операм с более усложненным сюжетом и размытым понятием "добра" и "зла".

0

5

Вот немного,в основном переиначивание слов, но есть кое-что новое,но выкидывать из текста не захотелось...

"Аниме"-сокращенно от английского "animation", термин "аниме" укрепился только в середине 1970-ых годов, до этогообычно говорили "Манга-эйга"("кино-комиксы")

первые эксперементы с анимацией японцы начали еще в 1920-х, а первые аниме появились в 1917 году. Два первых большие аниме-фильма вышли в 1943 и в 1945 годах соотвественно и были "игровой" пропогандой, прославлявшей мощь японской армии.

Решающую роль в истории аниме сыграл Мэдзука Осаму, которые предложил отказаться от бессмвсленного соревнования с полнометражными фильмами Уолта Диснея и перейти к создание ТВ-сериалов, превосходящие не по качетсву изображения, а по привлекательности для японской аудитории.

Большая часть аниме- ТВ-сериалы и сериалы,созданные для продажи на видео(ОAV-сериалы). Однако есть и множество ТВ-фильмов и полнометражных аниме. С точки зрения разнообразия стилей, жанров и аудиторие манга (японские "истории в картинках") существенно превосходит аниме, однако последнее с каждым годом догоняет конкурентку. С другой стороны, многие аниме- экранизация популярной манги, а они не соревнуются. а подждерживают в коммерческом отношении друг друга. Тем не менее, большая часть аниме- детское и подростковое, хотя встречаются аниме и для молодых людей. Аудиторию средних лет завоевывает "семейное ангиме", которое дети сомтрят вместе с родителями.

Сериальность диктует сови законы-создатели аниме менее, чем аниматоры других стран, склонны к техническим эксперементам, зато уделяют много времени созданию привлекательных и интересных образов персонажей (отсюда важность качетсвенного озвучивания) и разроботке сюжета. Дизайнеры в аниме важнее аниматоров.

Созданием аниме занимаются аниме-студии, обычно сравнительно небольшие и работающие на внешнем финансировании от различных спонсоров (ТВ-каналы, корпорации по выпускуигрушек, манга-издательства). Обычно такие студии возникают вокруг нескольких выдающихся творцов, а потому студии часто бывает присущ определенный "студийный стиль", который задают ведущие дизайнеры.

0

6

История аниме

Классика 1970-х (1970 - 1979)
Эпоха телевидения

Семидесятые годы прошлого века в истории аниме без преувеличения можно назвать эрой телевидения. Основная часть анимационных фильмов, оказавших существенное влияние на дальнейшее развитие истории аниме, - телевизионные сериалы. Их формат был разработан еще Тэдзукой и его коллегами в начале 1960-х годов: одна серия длиной около 23-25 минут в неделю (всего около 30 минут вместе с блоком рекламы), показываемая в строго определенное телеканалом для этого сериала время (так называемый временной слот). Продолжительность сериала определялась его популярностью: более популярные сериалы шли дольше, менее популярные заканчивались быстро. Но обычно сериалов короче 20-30 серий в 1970-е не делалось. Полнометражные аниме-фильмы обычно создавались только как продолжения популярных телесериалов, поскольку в условиях жесткой конкуренции трата ресурсов на создание рекламно "не раскрученных" фильмов могла обернуться для студий финансовой катастрофой. Эта тенденция сохраняется до сих пор. Сюжеты ТВ-сериалов строились по принципу эпизодности - важно было посмотреть только первые серии, в которых зритель знакомился с главными героями, и последние, в которых наступала развязка. Между ними же шло множество серий, каждая из которых представляла собой отдельную историю из жизни главных героев, так что эти серии можно было пропускать или смотреть в произвольном порядке. Постепенно, однако, складывалась тенденция миграции сюжетов в сторону единых длинных «саг», в которой каждая серия была продолжение сюжета предыдущей. В дальнейшем ни одному из этих способов построения сюжета не удалось вытеснить другой, и сейчас они сосуществуют. Обычно "эпизодная" организация была характерна для детских сериалов, а "саговая", или метасюжетная, - для подростковых. Происходило и изменение аудитории аниме. Если прежде ее основой были маленькие дети и младшие подростки 10-12 лет, то теперь поколение зрителей первых аниме уже подросло, но все еще интересовалось мультиками. Поэтому начинают появляться сериалы, рассчитанные на зрителей среднего и старшего подросткового возраста. Набор основных жанров практически не изменился, это - сказки, научная фантастика, исторические легенды, экранизации. Поскольку с этого момента история аниме развивалась в основном внутри жанров, есть мсысл подробнее остановиться на этих жанрах.
"Девочки-волшебницы"

Грандиозный успех вышедших в конце 60-х двух сериалов о девочках, обладающих магическими способностями ("Ведьма Салли" и "Секрет Акко-тян"), предопределил появление целого жанра аниме - о "девочках (или девушках)-волшебницах" (махо-сёдзё). Активно разрабатывать эту тему начала крупнейшая японская анимационная компания Тоэй Дога. Уже второй их сериал, "Секрет Акко-тян", задал основной мотив фильмов о махо-сёдзё, где главная героиня, обычная школьница, каким-то образом приобретает магические способности, которые она должна использовать для определенных целей. В этом ей помогают волшебные помощники, небольшие разумные зверьки (чаще всего кошки). Параллельно, особенно на первых порах, использовался и мотив "Ведьмы Салли" (главная героиня - существо из другого мира), однако доминирующим он не стал. Юные зрительницы предпочли героинь, похожих на них самих. Ключевой особенностью сюжетов этих сериалов является необходимость для девочки прятать свои способности от всех, особенно от ближайших друзей. Ей приходится вести двойную жизнь (впоследствии это нашло воплощение в идее моментального изменения внешнего вида героини в моменты, когда она занимается магией), причем эта двойная жизнь ей не по душе. "Девочки-волшебницы" хотят стать простыми школьницами и не знать ни про какую магию, однако судьба и обстоятельства не дают им такой возможности. Истоки этой концепции лежат в сочетании классических японских патриархальных взглядов на девочку/женщину и пришедшей с Запада новой ментальности, очень внимательной к процессу взросления и становления характера. Двойственность возникших у молодежи представлений о себе и о своей роли в обществе нашла отражение в сериалах о "девочках-волшебницах", а актуальность этой проблемы вызвала огромный интерес к произведениям искусства на эту тему. Однако третий махо-сёдзё-сериал, "Волшебница Мако-тян" (1970-1971), не во всем соответствовал вышеизложенным принципам. Его главной героиней была юная русалочка Мако, дочь Повелителя Драконов, спасшая тонущего юношу по имени Акира, в которого она влюбилась, и, в нарушение законов Моря, превратилась в девушку и стала странствовать по миру в поисках своего возлюбленного. Отличия этого сериала от двух предшествующих были значительны. Во-первых, его героиней была девушка, а не девочка, а, во-вторых, сюжет в большей степени концентрировался на истории ее любви и разнообразных вопросах повседневной и личной жизни людей, чем на собственно магических "фокусах". Очевидно, что этот сериал был предназначен уже не для девочек, а для девушек-подростков. Впрочем, подростки-зрители на тот момент еще по-настоящему не оценили аниме, поэтому большой популярностью он не пользовался и дольше года на экране не продержался. Затем было снято еще несколько сериалов, не особенно удачных, но закрепивших сложившийся канон аниме о махо-сёдзё. Но вот в 1973 году появляется сериал, основательно пошатнувший сложившийся стандарт. Это был сериал "Милашка Хани", созданный по мотивам манги Го Нагая, - первый сериал о махо-сёдзё, предназначенный не для девочек, а для парней-подростков. Дело в том, что телекомпания, с которой был заключен договор на его показ, не имела в тот момент технической возможности показать его в слот «аниме для девочек», и предложила сделать это в слоте других экранизаций Го Нагая - сериалов жестоких и мужских. Выбора не было, и аниматорам пришлось адаптировать эстетику "махо-сёдзё" для зрителей-юношей. Именно поэтому главная героиня сериала, девушка по имени Хани Кисараги, узнавшая из завещания своего отца, что она - созданный им андроид, и начавшая бороться с мафией, убившей ее отца, - вполне сформировавшаяся духовно и физически девушка. В этом сериале впервые появились превращения (хэнсин) главной героини, проходящие по кругу «повседневная одежда - нагота - магический костюм». Также здесь впервые получила выражение идея магической борьбы со злом. В сюжете практически отсутствовала любовная линия, зато было много элементов научной фантастики (киборги, андроиды, фантастическое оружие). Собственно, сейчас среди исследователей существуют различные мнения по вопросу о том, является ли этот сериал сериалом о "девочках-волшебницах". Но факт остается фактом: его влияние на последующую историю жанра трудно переоценить. Последним значительным сериалом первого поколения "махо-сёдзё" следует назвать сериал "Магичка Мэгу-тян" ("Мадзёкко Мэгу-тян", 1974-1975). В каком-то смысле он вобрал в себя достоинства всех предыдущих сериалов на эту тему. Его главной героиней была Мэгу Кандзаки, пятнадцатилетняя претендентка на трон Королевы Мира Демонов. Для проведения экзамена на этот титул она была послана на Землю, чтобы научиться жить среди людей и усовершенствовать свое искусство. Однако на Земле (действие происходит, разумеется, в Японии) она впервые узнает значение семьи и обычной жизни - ведьмам понятие "семья" неизвестно. Также у Мэгу есть соперница, постоянно строящая козни, и маг, принимающий "экзамен" и тоже устраивающий разные каверзы. Кроме того, у нее есть и "естественные" враги, вплоть до такого персонажа, как Сатана. Это был первый сериал для девочек, где фигурирует реальное зло, а также первый сериал, где героиня - не милая, тихая и ответственная девочка. Наоборот, Мэгу - девочка с характером, бойкая, предприимчивая, часто ведущая себя как мальчишка. Поскольку в фильме было немало эротического юмора и сцен соответствующего содержания, аудитория этого сериала состояла и из девушек, и из парней-подростков. Он был очень популярен и «выдержал» 72 серии - рекорд жанра. В дальнейшем сериалы о "девушках-волшебницах" существовали в рамках вышеизложенного канона примерно до начала 90-х годов.
Доблестные юноши

Если основным видом аниме для девочек и девушек были сериалы о "девочках-волшебницах", то среди мальчиков и юношей наиболее популярными стали сериалы о "гигантских роботах". Уже в 1960-х появились первые сериалы этого направления, но честь создания канона принадлежит Го Нагаю и сериалу по мотивам его манги "Мазингер Зет" (1972-1974), созданному "Тоэй Дога". Принципиальное отличие этого сериала от предшественников заключалось в том, что главный герой находился внутри управляемого им робота и, таким образом, мог в бою серьезно пострадать или даже погибнуть. Сюжет сериала достаточно прост: двое видных ученых, доктор Кабуто и доктор Хэлл (от англ. - ад), во время археологических раскопок обнаружили обломки древней цивилизации, умевшей создавать огромных боевых роботов. Оба исследователя осознали, что технология такого рода может быть использована для завоевания мира. Доктор Хэлл занялся именно этим, а доктор Кабуто решил ему помешать и создать своего робота, способного бороться с чудовищами доктора Хэлла. Естественно, доктор Хэлл приказал убить доктора Кабуто, и его приспешникам это удалось, но перед самой своей смертью благородный ученый показал своему племяннику Кодзи, как управлять роботом. В результате между доктором Хэллом и мировым господством оказался Кодзи и его огромный робот "Мазингер Зет", а также друзья Кодзи - возлюбленная Саяка Юми на роботе под названием "Афродита А" и смешной толстяк по прозвищу Босс со своим роботом "Босс Борот". Эта доблестная троица на протяжении 92 серий боролась со злом, и сериал снискал себе огромную славу, а также вызвал к жизни множество продолжений и подражаний. Новый жанр сразу же оказался под пристальным вниманием компаний, производящих игрушки и сборные модели. Они оценили перспективный рынок и начали финансировать производство сериалов о "гигантских роботах" в обмен на право производить игрушки по их мотивам и размещать во время показа свою рекламу. Очевидно, что большие, сложные и разборные модели роботов, пользующиеся огромной популярностью среди детей, приносили этим компаниям хорошую прибыль. Поэтому развитие жанра шло под лозунгом "больше героев, больше роботов, сложнее дизайн!". Авторство идеи или конструкции роботов создатели сериалов обычно приписывали внешним силам - инопланетянам или древним цивилизациям. Это давало простор фантазии, предоставляя возможность использовать сложную псевдонаучную терминологию и создавать правдоподобные объяснения принципов придуманной ими технологии, не будучи ограниченными достижениями современной науки. Также вскоре начали эксплуатироваться идеи сборности/разборности робота, изменения им конфигурации, наличие нескольких боевых форм и разнообразие оружия. Важнейшей частью сериалов о "гигантских роботах" была проработка взаимоотношений главных героев. Обычно они объединялись в небольшую, но сплоченную и живущую вместе группу воинов, борющуюся с куда более многочисленным, но менее сплоченным злом. Соответственно, ключевыми словами, описывающим отношения героев, были "дружба и единство", а также "уникальность, единственность" - никаких других шансов на спасение Земли не было. Все это было очень близко сердцам японской молодежи 1970-х, мужская часть которых предпочитала ставить дружбу превыше любви. Собственно, как уже отмечалось, девушки-героини этих сериалов, были скорее "боевыми подругами", чем "любимыми". Среди значительных сериалов этого времени стоит назвать следующие: "Роботы Гетта" (1974-1976), "Инопланетный робот Грендайзер" (1975-1977), "Стальной Джииг" (1975-1976), "Неуязвимый робот Комбаттер-V" (1976-1977), "Межпланетный робот Дангвард Эйс" (1977-1978), "Непобедимый и единственный Дайтарн 3" (1978), "Далтаниос, робот будущего" (1979) и некоторые другие. Аниме-сериалы, основанные на идее сражения со злом небольшой, но сплоченной группы друзей, получили название "сэнтай". Помимо "меха-сэнтая" был и просто "сэнтай" - все то же самое, но без "гигантских роботов". Первым и чрезвычайно популярным сериалом этого жанра стал сериал студии Тацуноко и Тацуо Ёсиды "Команда ученых-ниндзя Гатчамен" (1972-1974). Именно в нем впервые закрепилась формула "команды из пяти человек", каждый из которых обладает уникальными способностями, а все вместе они составляют единую и цельную организацию. Отметим важную концепцию, лежавшую в основе этих сериалов - двойственность науки, возможность использования ее достижений не только во благо, но и во зло. Кстати говоря, начата эта линия была еще в "Могучем Атоме" Тэдзуки. Ведь для страны, пережившей ядерную бомбардировку, идея "атома, служащего людям" была отнюдь не очевидна. Романтический вариант научной фантастики представил в своих манга-произведениях и их аниме-экранизациях еще один виднейший мангака этого периода - Лэйдзи Мацумото. В 1974 году появился его сериал "Космический крейсер Ямато", а в 1978 - сериал "Космический пират капитан Харлок". Особый художественный интерес в них представляли дизайны космических кораблей, выполненные в ретро-стиле и воспроизводившие внешний вид японских военных кораблей времен второй мировой войны. Сюжетно оба сериала являлись масштабными космическими сагами с множеством главных героев, а также со сложными взаимоотношениями между ними и отсутствием четкого разделения на положительных и отрицательных персонажей. Тем не менее, сами понятия Добра и Зла все-таки были разделены достаточно четко (что вообще характерно для аниме 1970-х). В основу характеров своих персонажей Мацумото положил концепции европейского романтизма начала XIX века, а также их более поздние массово-культурные подражания. Иными словами, представления о чести, достоинстве, долге у его героев были сходны с аналогичными представлениями героев Александра Дюма и Фенимора Купера. Именно поэтому сериалы Мацумото были очень популярны у подростков, начавших создавать внутри школьных клубов любителей научной фантастики подразделения фанов японской фантастики. Именно на их основе в дальнейшем в Японии создавались клубы фанов аниме и манги. По мотивам одной из манг Мацумото режиссер Ринтаро снял в 1979 году на студии Тоэй Дога классический полнометражный аниме-фильм "Галактический экспресс 999". В дальнейшем фантастика в ретро-стилистике стала в аниме весьма популярной и заявила о себе в рамках почти всех фантастических сериалов, сделанных в последующие годы. Как объединение этих двух направлений (масштабных космических эпопей и "гигантских роботов") в 1979 году вышел оригинальный сериал студии Санрайз "Мобильный воин ГАНДАМ" (1979-1980), созданный на основе концепции Ёсиуки Томино. Он положил начало множеству сериалов и фильмов эпопеи "Гандам", составляющих несколько масштабных научно-фантастических саг о будущем человечества. Принципиальное отличие этого сериала заключалось в том, что в нем не было никакой необычной техники. В предыдущих сериалах жанра "меха-сэнтай" техника, используемая главными героями, обычно существовала в уникальных экземплярах и являлась своего рода научным чудом. А в сериале "Гандам" роботы, на которых сражались герои, производились массово, и ничего чудесного в них не было - обычный научный прогресс. Понятие "уникальность" здесь распространялось исключительно на самих главных героев. Особый упор авторами сериала был сделан на создание и изложение сложной концепции новой мировой истории, космической политики и т. д. Фактически излагалась история полномасштабной войны, причем не между людьми и Злом (киборгами, роботами, инопланетянами), а между двумя космическими человеческими государственными образованиями. Постепенно начала уходить в прошлое идея "борьбы со Злом", даже в человеческом обличии. На противной главному герою, молодому пилоту Амуро Рэю, стороне сражались не исчадия ада, а такие же пилоты, как он сам. Самый известный из них - Чар Азнабль, был обаятельнее Амуро и гораздо больше полюбился зрителям. Сначала консервативная японская аудитория, не готовая к столь значительным идеологическим изменениям, приняла сериал холодно. Но с каждым годом его популярность росла, и в начале 80-х он стал культовым, оказав огромное влияние на последующие судьбы жанра "меха-сэнтай" и аниме вообще.
Антигерои как главные герои сериалов

Разумеется, помимо "гигантских роботов" и "девушек-волшебниц" было и множество других сериалов и фильмов. Так, в 1970 году вместе со спортивным сериалом студии Муси "Завтрашний Джо" по мотивам манги Тэцуя Тиба и Асао Такамори о молодом боксере в аниме в качестве главного героя пришел антигерой. Джо - совсем не пай-мальчик, он хулиган, грубиян и вообще неприятная личность. Тем не менее, пожилому тренеру удается вытащить парня из тюрьмы и сделать из него чемпиона. Одновременно с этим Джо меняется в лучшую сторону, не становясь, однако, идеальным. Наиболее необычным было то, что в конце сериала Джо погибает, выиграв свой последний бой. Этот аниме-сериал, как и манга, пользовался невероятным успехом, а его концовка стала предметом всенародного обсуждения. Другим антигероем стал в 1971 году персонаж популярного сериала "Люпен III" студии TMS по мотивам манги Манки Панча - гениальный, обаятельный и сексуально неудовлетворенный вор Люпен III, внук знаменитого героя детективов Мориса Леблана - благородного вора Арсена Люпена. Манга была едкой пародией на кинофильмы о бравых шпионах и ворах, а аниме-сериал получился чуть более серьезным и приключенческим. Этот сериал имел несколько продолжений, к которым прямое отношение как режиссер и аниматор имел Хаяо Миядзаки. В частности, сделанный им как режиссером полнометражный фильм "Люпен III: Замок Калиостро" студии TMS (1979) был вторым полнометражным аниме-фильмом из цикла о Люпене. До появления в 1985 году фильма "Наусика из Долины Ветров" он назывался читателями популярного японского журнала "Анимейдж" лучшим фильмом в истории аниме. Приключения Люпена и его друзей, постоянно попадающих в различные криминальные переделки, были все же далеки от высот моральных ценностей, обычно демонстрируемых в сериалах для юношества, и имели отчетливый сексуальный характер. Впрочем, именно Миядзаки создал более пристойный вариант истории Люпена, сделав акцент на путешествия и приключения, а не на эротические фантазии главного героя. Еще одним важным сериалом с героем сомнительной правильности был сериал все того же Го Нагая "Человек-демон" (1972). Главный герой в нем боролся с демонами, "естественными врагами человечества", пожирающими и человеческую плоть, и души, но для этого он сам превращался в такого же демона. Моральная неоднозначность такой ситуации впоследствии неоднократно обыгрывалась в аниме.
Фильмы и сериалы для детей

Разумеется, несмотря ни на что, основными зрителями аниме были дети. Поэтому в 1970-е большая часть аниме делалась для детей и обычно не поднимала столь сложных и важных проблем, как описанные выше. По уже сложившейся традиции основным жанром аниме для детей были экранизации классических европейских и восточных сказок и легенд. В частности, в 1971 году был снят "Али Баба и сорок разбойников" - продолжение старой линии масштабных полнометражных экранизаций студии Тоэй Дога. Но рынок показал неэффективность такого рода вложений, и уже к середине 70-х основным видом аниме для детей тоже стали сериалы. Важную роль здесь сыграла студия Ниппон Анимейшн, основанная в 1975 году при деятельном участии Хаяо Миядзаки и Исао Такахаты и сразу же "выстрелившая" целой обоймой сериалов - "Пес Фландерсов", "Приключения пчелки Майи", "Приключения Синбада-морехода" - и продолжавшая каждый год выпускать новые детские аниме сериалы. Среди других ее работ стоит отметить "Приключения Пиноккио" (1976), "Три тысячи лиг в поисках матери" (1976), "Енот по имени Раскал" (1977), "Конан - мальчик из будущего" (1978), и, просто как курьез, - "Медвежонок Миша" (1979). Как видно из названий, основными действующими лицами были либо герои сказок, либо разумные животные. В этом продолжалась традиция "анимации от Диснея", однако, подвергающаяся все более сильному влиянию других жанров аниме. Так, "Конан", созданный Хаяо Миядзаки, был сделан на стыке сказочного и фантастического жанров. Верхом деятельности экранизаторов в 1970-е годы стоит считать проект "Театр шедевров всего мира" (1969-1997). Начавшись как совместный проект студий TMS и Муси по экранизации сериала "Муми-тролли" (1969-1970), в 1975 году он перешел в руки компании Ниппон Анимейшн. Вплоть до 1997 года она исправно выпускала экранизации детской европейской и американской литературной классики, всего создав 23 аниме-сериала. Также стоит упомянуть два значительных детских ТВ-сериала на основе оригинальной манги, один - для мальчиков, другой - для девочек. Первый - это очень популярный детский фантастический сериал "Дораэмон" по мотивам манги Фудзико Фудзио, который начали снимать в 1973 году, затем прекратили, и с 1979 года он идет до сих пор. Сериал рассказывает о приключениях обычного маленького, но очень невезучего мальчика, которому его внук, чтобы исправить свою семейную карму, прислал из будущего разумного и говорящего огромного кота-робота по имени Дораэмон, по своему разумению пытающемуся помогать главному герою и его семье в жизни. Второй сериал - аниме для девочек "Роза Версаля" (1979-1980) по мотивам манги Риёко Икэды, очень красивый исторический романтический сериал, действие которого происходит во времена, предшествующие Французской Революции. "Роза Версаля" - это культовая манга, легшая в основу "женского" направления манги, которая не только делалась для девушек, но и создавалась девушками. В основе ее сюжета - жизнь королевы Марии-Антуанетты и ее друга по имени Оскар, капитана дворцовой стражи. Оскар на самом деле - девушка, одевающаяся как юноша и ведущая себя как молодой человек. Это один из первых персонажей такого рода, появившийся в аниме. Характерно, что она - не японка, так как продолжительное время считалось, что показ японской девушки, ведущей себя подобным образом, - вещь совершенно недопустимая. Поэтому действие сериалов на эту тему изначально перемещали за пределы Японии. Действие сериала происходит в пышных декорациях Версаля в светской жизни самого роскошного двора Европы и заканчивается Революцией, в которой погибают (по обе стороны баррикад) все главные действующие лица. Эстетика этого аниме оказала колоссальное влияние на сёдзё-аниме (аниме для девочек) последующих лет. Здесь же стоит упомянуть популярный романтический приключенческий сериал для девочек "Кенди-Кенди" (1976-1979), действие которого тоже происходит за пределами Японии. Естественно, были фильмы и сериалы по мотивам событий японской истории. В качестве примера можно назвать сериал студии Тоэй Дога "Иэясу Токугава в юности" (1975), повествующий о молодости знаменитого правителя Японии XVII века.
Итоги

Аниме 1970-х было технически и эстетически совершеннее, чем аниме 1960-х. Аниматоры "набили руку", а продюсеры вкладывали все большие деньги в отрасль, приносящую прибыль. Значительно расширялись жанровые рамки, создавая дополнительное пространство для проявления творческих возможностей создателей аниме. Уже к началу 1980-х становилось понятно, что ничего аналогичного по масштабности и разнообразию жанров в истории анимации не было, хотя известно и популярно аниме все еще было почти исключительно в самой Японии. Тем не менее, именно в 1970-е выросло первое поколение, полностью воспитанное на аниме и манге. Придя в коммерческую анимацию в середине 1980-х, аниматоры этого поколения сделали аниме искусством, уже полтора десятка лет активно завоевывающим весь мир. Многие каноны и штампы аниме 1970-х впоследствии были переосмыслены на новом техническом и художественном уровне, но все еще продолжают жить и радовать уже несколько поколений любителей аниме.

0

7

История аниме

Начало "Золотого века" (1980-1985)
Новое поколение зрителей

Начало 1980-х годов в истории аниме ознаменовалось событием чрезвычайной важности. Сериал "Мобильный воин Гандам" оказал совершенно особое влияние на аудиторию - из существовавших до этого в Японии клубов подростков - любителей научной фантастики стали понемногу выделяться клубы подростков - фанов научно-фантастического аниме. Так начали появляться аниме-отаку (в Японии "отаку" называют фанов вообще, а за пределами Японии - фанов аниме и манги). Значение этого события трудно переоценить. Подростки, родившиеся в 1960-х, всю свою жизнь смотрели аниме по телевизору и в кино. Оно формировало их мышление, давало ориентиры для подражания. Пройдя с аниме все детство, подростки-зрители хотели нового аниме, более серьезного, в большей степени отвечающего их "взрослым" интересам. Конечно, это не значит, что серьезного аниме до начала 1980-х не было. Но лишь в эти годы возникла большая рыночная ниша подросткового аниме, куда потекли капиталовложения фирм-спонсоров. И молодые аниматоры поколения Мамору Осии, всерьез рассматривающие аниме как средство художественного самовыражения, и умудренные профессионалы поколения Хаяо Миядзаки, уставшие рисовать "детские" сериалы, пошли по следам спонсорских денег. Они создали новую индустрию, сделавшую аниме фактом не только японской, но и мировой культурной жизни. Одновременно с этим начал развиваться и фановый, полулегальный рынок. На нем продавалось как разного рода самостоятельное творчество фанов аниме (манга, модели, костюмы), так и пиратские записи аниме с ТВ, нелегальные копии и т. д. В дальнейшем некоторые активные участники этого рынка становились серьезными коммерческими творцами и коммерсантами. В частности, здесь можно назвать группу мангак "КЛАМП" (CLAMP) и аниме-студию "ГАЙНАКС" (GAINAX). Широкое развитие получили также фановые и коммерческие журналы об аниме и манге.
"Космические оперы" и немного музыки

Начало 1980-х - это все еще господство космического жанра научной фантастики. На волне популярности сериала "Гандам" выходит еще несколько аналогичных сериалов, в том числе и продолжения самого "Гандам". Также появляются цветные версии классических сериалов "Железный человек номер 28" (1980) и "Могучий Атом" (1980). Продолжают выходить фильмы и сериалы - экранизации произведений Лэйдзи Мацумото, среди которых важное место занимает полнометражное аниме "Аркадия моей юности" (1982) - предыстория приключений капитана Харлока, очень популярная среди японских фанов, в том числе и потому, что несла на себе явный отпечаток антиамериканских настроений Мацумото. Среди новых космических "меха-сэнтай"-сериалов можно назвать "Космический император-бог Сигма" (1980), "Космический воин Балдиос" (1981), "Повелитель Ста Зверей Голион" (1982), "Механизированный батальон Дайраггер XV" (1982) и некоторые другие. В 1982 году на экраны выходит сериал "Великая космическая крепость Макросс" (1982-1983), созданный Нобору Исигуро и Ёсимасой Ониси на студиях Студио Ню и Артлэнд при поддержке студии Тацуноко. Изначально он задумывался как пародия, созданная молодыми художниками и дизайнерами, чтобы поиздеваться над клише "космических опер". Однако оказалось, что он сам стал самой популярной "космической оперой" в истории аниме. "Макросс" внес ряд изменений в вышеупомянутые клише. Во-первых, его главный герой Хикару Итидзё был отнюдь не лучшим пилотом и вообще не слишком "крутым" воякой. Во-вторых, самым главным оружием против инопланетных захватчиков оказалось не военное превосходство, а культурное наследие. Огромные и могучие инопланетяне побеждались песнями в исполнении главной героини - Линн Минмэй, популярной певицы и подружки главного героя. При этом к концу сериала Хикару осознавал, что избранница его сердца - отнюдь не Минмэй, а потомственная военная и его прямой начальник - майор Миса Хаясэ. Введение в сериал такого персонажа, как Минмэй, диктовалось новой ситуацией в японской поп-музыке. Она постепенно выходила из послевоенного творческого кризиса и становилась популярной среди молодежи (которая раньше предпочитала американскую музыку). Во многом это происходило благодаря внедрению в японскую поп-музыку концепции "идолов" - юных (зачастую несовершеннолетних) исполнителей, которых продюсеры находили с помощью специальных конкурсов, подписывали с ними кабальные контракты и контролировали каждую секунду их жизни. Основой привлекательности "идолов" для молодежи было не столько их вокальное мастерство, сколько красота и возможность подпевать им в только что появившихся караоке-барах. Ведь для подпевания совершенно необходимо, чтобы песня была написана на родном языке подпевающего, и американская музыка для этого не подходила. Вышедший в 1984 году полнометражный аниме-фильм "Великая космическая крепость Макросс: Помнишь ли нашу любовь?" закрепил жанровый успех сериала. Заглавная песня "Ай Обоэтэ Имасу Ка" в исполнении Мари Идзимы (озвучивавшей в сериале и фильме Минмэй) заняла призовые места в японских хит-парадах. К аниме-музыке стали относиться серьезно. Другой значительный "космический" полнометражный аниме-фильм, сделанный в этом время, - "Жар-птица 2772: Космозона Любви" (1980), последняя работа Тэдзуки в коммерческой анимации на студии Тэдзука Продакшнз, созданной им после банкротства в середине 1970-х студии Муси. Этот фильм, несмотря на морально устаревшее графическое решение, оказал значительное влияние на аниме-профессионалов. Также он ознаменовал собой другое важное явление - возрастание популярности полнометражного аниме, сделанного не на основе телесериалов (этот фильм был создан по мотивам манги Тэдзуки "Жар-птица", но не являлся экранизацией и представлял собой самостоятельное авторское развитие ее сюжета).
Развитие фантастической комедии

Одним из первых экспериментов в жанре "фантастической комедии" стал сериал студии "Тоэй Дога" по мотивам манги Акиры Ториямы "Доктор Сламп" (1981-1986). Характерные персонажи "героического" аниме, сумасшедший ученый Сламп и его творение - девочка-робот Арале, не спасали мир, а творили всякие смешные глупости, с трудом из них выпутываясь. Второй эксперимент в этом жанре был куда более популярен и определил сюжетные линии комедийных и романтических аниме на много лет вперед. Речь идет о первой экранизации манги Румико Такахаси "Несносные пришельцы" (1981-1986). Это телесериал, созданный на студии Китти Филмс молодым режиссером Мамору Осии, пришедшим в мир аниме из мира кино. Такое сочетание тонкого лиризма, безудержного юмора и сатиры, фантастических и реалистичных персонажей, любовных интриг и невероятных приключений, наверно, не будет воспроизведено уже никогда. Особенное влияние на дальнейшее развитие аниме оказали характеры персонажей этого сериала. Скажем, неадекватный, сексуально озабоченный циник Атару, в критических ситуациях проявляющий себя с лучшей стороны, или влюбившаяся в него принцесса-инопланетянка Лам, являвшая сочетание неприкрытого садизма, идеальной жены и бесконечного коварства. Впоследствии такие нестандартные характеры стали обычны для подросткового аниме, но в те времена они были сенсацией. Основой сюжета этого сериала был любовный треугольник Атару, Лам и Синобу - старой знакомой Атару, ревнующей его к принцессе-инопланетянке. Выбор, который Атару делает в пользу Лам, стал традиционным для этого поколения сёдзё-аниме - парень выбирает девушку необычную и загадочную, а не подругу детства.
Новый формат - видеоаниме

В 1983 году произошло событие, сыгравшее принципиальную роль в истории аниме. Мамору Осии на студии Студио Пьерро выпустил первое в истории Японии аниме, изначально предназначенное для продажи на видео - "Даллас: Приказ уничтожить Даллас". С этого момента в японской анимации появилась новая степень свободы. Теперь можно было создавать аниме, сочетающее в себе достоинства полнометражного фильма (качество анимации и четкое единство сюжетной линии) и сериала (размер, многосерийность). Видеоаниме было рассчитано на аудиторию зрителей, имеющих достаточные средства для покупки интересных им кассет. Естественно, такими зрителями в первую очередь стали фаны-отаку. Новый вид анимации получил название OAV или OVA ("Original Animation Video" - анимация для продажи на видео). OAV представляли собой либо большие фильмы, либо небольшие видеосериалы, каждая серия которых продавалась отдельно. Уже 1984 год подарил такой шедевр видеоанимации, как мистико-фантастический "Рождение", более известный как "Мир Талисмана", а в 1985 году такие видеосериалы, как комедийно-фантастический "Грязная парочка", комедийный сериал о приключениях огромного кота "Что с Майклом?", а также первую из видеоэкранизаций произведений Румико Такахаси блестящий фантастико-мистический "Сквозь огонь" и классику аниме-мистики - "Д - охотник на вампиров" по мотивам романа Хидэюки Кикути, фильм созданный режиссером и дизайнером Ёсиаки Кавадзири. Особо следует выделить культовый OAV режиссера Мамору Осии и художника Ёситаки Амано "Яйцо ангела" (1984). Кроме того, следует отметить первый киберпанк-OAV "Мегазона 23" (1985) режиссера Нобору Исигуро и молодой студии Анимейшн Интернэшнл Корпорэйшн (AIC). В нем впервые были использованы многие ставшие впоследствии каноническими киберпанк-мотивы - рок-исполнители-киборги; банды мотоциклистов; идея несоответствия виртуального мира, в котором живут персонажи, и реальной жизни; особая роль в таком мире специалистов по компьютерам - хакеров. Разумеется, основное влияние на эту эстетику оказал американский фантастический фильм режиссера Ридли Скотта "Бегущий по лезвию бритвы", надолго определивший киберпанк-традицию в кино и анимации всего мира. В последующие годы OAV достигли значительного расцвета и существенно продвинули развитие аниме. К сожалению, по ряду финансовых причин, с 1993 года наблюдается снижение производства OVA.
Полнометражная анимация

Фильм "Жар-птица 2772" Тэдзуки поднял интерес зрителей к полнометражным аниме на самостоятельные сюжеты. Нельзя не указать на три достаточно известных фильма этого времени - детский "Юнико" (1981), фантастический "Невероятные космические приключения Кобры" (1982) и исторический "Босоногий Гэн" (1983) - экранизация классической манги Кэйдзи Накадзавы о жизни японской семьи, пережившей бомбардировку Хиросимы. Также нельзя не указать на шедевр мрачной аниме-апокалиптики "Великая Война с Гэммой" (1983) режиссера Ринтаро и первое аниме с компьютерными спецэффектами - криминальный боевик "Голго 13" (1983) режиссера Осаму Дэдзаки. Однако подлинным событием в мире полнометражной анимации стал фильм Хаяо Миядзаки 1984 года по мотивам его же манги - "Наусика из Долины Ветров". Это поэтичная история принцессы маленького, но гордого горного народа, существованию которого угрожает не только война двух пограничных с ним империй, но и экологическая катастрофа в мире, пережившем много лет назад ужасную биологическую войну. "Наусика" причудливо сочетала любимый Миядзаки ретро-стиль дизайна костюмов и техники и невероятные фантастические ландшафты мутировавшей под действием биологического оружия природы. Сам мастер всегда был не очень высокого мнения об этом фильме, потому что для экранизации своей написанной в тот момент лишь на четверть манги он вынужден был придумать быструю и неудачную развязку. Это была первая независимая работа Миядзаки, к которой он привлек аниматоров студии Топкрафт, сделавших для этого несколько фильмов совместно с американской компанией Рэнкин-Басс. Из числа этих фильмов наиболее известны "Хоббит" (1978), экранизация повести Джона Рональда Толкиена, и "Последний Единорог" (1982), экранизация повести Питера Бигля. В дальнейшем эта команда составила костяк студии Гибли, которую через два года основали Миядзаки и Исао Такахата. В создании "Наусики" принял участие молодой аниматор Хидэаки Анно (впоследствии - культовый аниме- и кинорежиссер). Фаны с ночи занимали очереди за билетами, а в жизни Миядзаки начался период наиболее значительных художественных свершений. Новый стандарт качества полнометражного аниме тут же был использован в фильме Ринтаро "Божественный Меч" (1985) - более чем двухчасовой эпопеи о жизни молодого воина, несправедливо обвиненного в убийстве своей матери и путешествующего по всему миру, чтобы отомстить ее настоящим убийцам. В том же 1985 году режиссер Гисабуро Сугии снял фильм "Ночь в поезде по Млечному Пути" по мотивам манги Хироси Масумуры, в свою очередь, написанной по мотивам мистической книги популярнейшего японского писателя начала века Кэндзи Миядзавы. Это было поэтическое повествование о путешествии двух друзей по железной дороге, протянувшейся в небеса и ведущей человека путем испытаний души. В отличие от книги стилистическая особенность манги и фильма заключалось в том, что все персонажи были изображены в виде кошек. Такова художественная особенность всех творений Масумуры. Но это было еще только начало развития полнометражной анимации. Пик его пришелся на следующий период - вторую половину 1980-х годов.
Прочие достижения

Появление новых жанров и направлений аниме, однако, никогда не уничтожало жанры и направления, существовавшие ранее. Они продолжали развиваться и совершенствоваться. Ниппон Анимейшн делала экранизации детских книг и сказок. Выходили новые сериалы и фильмы мегасериала "Дораэмон", в 1981 году студия Тацуноко выпустила сериал "Суперкнига" - аниме-изложение библейских историй. Продолжали выходить "махо-сёдзё"-аниме. В 1980 году начинает выходить сериал студии Тоэй Дога "Юная волшебница Лалабель" (1980-1981). Это был первый сериал такого рода, создававшийся исходя из соображений продажи игрушек. Поэтому главная героиня и ее противники использовали в сражениях множество различных предметов, которые потом выпускались в продажу в комплекте игровых наборов. Сериал был весьма популярен, но после него Тоэй Дога до конца 1980-х аниме о "девочках-волшебницах" не делала. Эстафету подхватила Аси Продакшн и создала сериал "Принцесса-волшебница Минки Момо" (1982-1983). Значительным отличием от предыдущих аналогичных сериалов был необычный поворот сюжета в самом конце - главная героиня, принцесса волшебной Страны Грез, долго жившая на Земле, чтобы возвращать людям их утерянные мечты, попадает под машину, погибает... и возрождается в новой жизни уже человеком. До этого смерть (а тем более - смерть главной героини) в такого рода повествовании считалась совершенно невозможной. Даже противники только побеждались, но не уничтожались. Еще одним игроком на поле аниме про "девушек-волшебниц" объявила себя Студио Пьерро, выпустив сериал "Волшебный ангел Крими Мами" (1983-1984). Его принципиальное отличие заключалось в том, что главная героиня - Юу Морисава, получив от странного инопланетянина волшебную палочку и превращаясь с ее помощью из 10-тилетней девочки в 16-тилетнюю девушку, обнаружила, что это палочка, работая как микрофон, сделала ее (во взрослом облике) супер-звездой под псевдонимом Крими Мами. В результате Юу начинает жить двойной жизнью, одновременно переживая сложности отношений со своим одноклассником Тосё, фаном Крими Мами, но полностью игнорирующим саму Юу. Как уже отмечалось выше, сюжет с юной поп-звездой - это веяние времени, признак нового положения вещей в японском шоу-бизнесе. На аналогичной сюжетной завязке (маленькая неудачница с помощью волшебства на время становится взрослой и удачливой девушкой, а затем пытается совместить два пласта своего бытия в один) построены и два других сериала этого времени Студио Пьерро - "Волшебная фея Пелсия" (1984-1985) и "Волшебная Звезда - Колдунья Эми" (1985-1986). В 1984 году был создан провозвестник "жестоких фильмов" - сериал студии Тоэй Дога "Кулак Северной Звезды" о приключениях мастера боевых искусств в постапокалиптическом мире. Он был очень кровав и жесток, и сделанный по его мотивам полнометражный аниме-фильм до сих пор считается одним из самых кровавых аниме в истории. С 1985 года начал выходить популярнейший спортивный сериал о баскетболе - "Касание" (1985-1987). В целом, можно констатировать, что для подлинного расцвета аниме все было готово. Оставалось только немного подождать...

0

8

Лэйдзи Мацумото

Лэйдзи Мацумото (настоящее имя – Акира Мацумото) (род. 25.01.1938) – один из основателей современной романтической и фантастической сёнэн-манги.

Впервые его работы были опубликованы в 1953 году, когда ему было всего 15 лет. В дальнейшем он продолжительное время занимался созданием манги для девушек, впрочем, не добившись в этом жанре значительных успехов.

Его первой заметной работой стала манга "Я – мужчина" (1970) о похождениях молодого студента. По-настоящему же он стал известен в 1974 году, когда началась публикация его манги "Космический крейсер Ямато", в том же году экранизированной. За ней последовали сериалы "Космический пират капитан Харлок" (1977), "Галактический экспресс 999", "Королева Тысячелетия" и некоторые другие. Большая часть из них были экранизированы.

Более всего Мацумото известен как создатель космических эпосов, активно использующих огромные корабли необычных конструкций. Художественный мир Мацумото находился под сильным влиянием позднего романтизма, что придавало его произведениям особую привлекательность для молодежи, причем не только для юношей, но и для девушек.

Также на его творчество существенно влияли переживания, связанные с военными лишениями и капитуляцией Японии в годы его детства. Вероятно, из всех крупных создателей манги и аниме именно Мацумото переживал поражение Японии в войне наиболее остро (он родился в семье офицера японских ВВС). Не принимая формы радикального национализма или реваншизма, эти чувства становились для него и оправданием борьбы со злом и осуждением всех форм политического насилия.

0

9

Хаяо Миядзаки

Хаяо Миядзаки родился 5 января 1941 г. Хотя его детство пришлось на тяжелые военные и послевоенные времена, семья находилась в относительно благополучном положении: дядя был владельцем, а отец, Кацудзи Миядзаки, директором авиационного завода, производившего крылья для истребителей. Поэтому жизнь будущего мастера не омрачал голод или гибель близких на фронте, а только нездоровье матери, которая несколько лет начиная с 1947 года лечилась от туберкулеза.

        Школьные годы Хаяо пришлись на то время, когда художник Осаму Тэдзука положил начало бурному увлечению комиксами, создав нынешнюю форму японского "романа в картинках" - что-то вроде застывшего кинофильма, порой с весьма серьезным и глубоким содержанием. Сначала Хаяо тоже хотел рисовать комиксы, но, когда увидел в кино первый в Японии цветной мультфильм режиссера Т. Ябусита "Легенда о белой змее" (1958), понял, что это не его жанр.
        Его образование после школы имело мало общего с кино: он учился экономике в престижном университете Гакусюин, где серьезно увлекся марксизмом, правда, одновременно состоя в клубе по изучению всемирной детской литературы. Защитив диплом о японской промышленности, он закончил университет по специальности политолог и экономист.
        Зато после этого Миядзаки пошел работать на киностудию Тоэй, японский аналог Союзмультфильма, где после трех месяцев обучения получил для начала весьма скромную роль фазовщика - рисовальщика промежуточных кадров. Первым мультфильмом, в создании которого он принимал участие, была "Повесть о сорока семи верных вассалах-псах" (1963).
        Здесь состоялись два знакомства, важные для его будущей судьбы: с художницей-аниматором Акэми Ота, на которой Миядзаки через два года женился, и с подающим надежды режиссером Исао Такахатой, с которым Миядзаки объединило общее дело - Такахата был заместителем председателя профсоюза аниматоров, а молодой и энергичный Миядзаки почти сразу стал секретарем этого профсоюза.
        Японская анимация только начинала складываться. Почти все, что делалось, делалось впервые, творческий процесс еще не превратился в рутину, и открывался редкий простор для инициативы. Все вносили свои предложения, практически каждый участник работы при достаточной настойчивости мог добиться изменений в сценарии. Проработав всего год, еще не поднявшись до должности ведущего аниматора, Миядзаки сумел полностью поменять финал фильма "Космическое путешествие Гулливера" (1964).
        Следующий, 1965, год для него был отмечен женитьбой и началом работы над проектом своего соратника Такахаты - полнометражным фильмом "Храбрый солнечный принц" (1968), который демонстрировался на фестивалях японского кино в Москве в 1996 и 1998 годах. В Японии на фоне развлекательных детских мультиков он произвел сильное впечатление и был популярен среди студентов. Его смело можно признать одним из произведений, которые сломили мнение о мультипликации как о чем-то несерьезном. Миядзаки работал над картиной в качестве ведущего аниматора и помощника режиссера. Его поклонниками в этот период, сами того не зная, стали и российские зрители: Миядзаки (точнее, супруги Миядзаки, поскольку Акэми тоже не оставляла работу) были ведущими аниматорами в фильмах "Кот в сапогах" (1969) и "Корабль-призрак" (1969), которые с большим успехом шли в московских кинотеатрах.
        "Храбрый солнечный принц" понравился руководству студии Тоэй значительно меньше, чем зрителям. Бескомпромиссный Такахата не стал терпеть ограничений, в 1971 г. он ушел на студию Эй-про и пригласил с собой друзей. Миядзаки согласился рискнуть.
        В мультипликации, особенно на телевидении, еще продолжалась эпоха свободы, время молодых режиссеров и художников, когда каждый мог попробовать в деле свой талант и поучиться на ошибках. Первым проектом на новом месте должен был стать телесериал "Пеппи-Длинный чулок". Миядзаки даже ездил в Швецию вместе с руководителем студии, но Астрид Линдгрен не дала согласия на экранизацию, и планы не осуществились. Вместо этого команде Такахаты пришлось посвятить целый год (1971) работе над четырнадцатью - начиная с шестой или седьмой - из 23 серий мультсериала "Люпен III", трюковой комедии по мотивам популярного комикса, герой которого - японский внук французского благородного жулика Арсена Люпена, тоже жулик, но не благородный.
        Затем был фильм Такахаты "Панда большая и маленькая" (1972) и его продолжение - "Цирк под дождем" (1973). Миядзаки, на сей раз не только аниматор, но также художник-постановщик и автор сценария, привел на премьеру своих детей. Фильм выдержал проверку: малыши остались довольны.
        В июне 1973 г. Такахата и Миядзаки снова сменили работу и перешли на студию Дзуйо Энтерпрайзес, делать цикл телесериалов по произведениям западной литературы, "Театр мировых шедевров. Изучая места действия будущих фильмов, Миядзаки побывал в Швейцарии - для съемок "Хайди" (1974), в Италии и Аргентине -"К маме за З000 миль" (1976). Качество анимации первых фильмов задало высокий уровень для последующих, и традиция поддерживалась много лет, несмотря на то, что Миядзаки покинул студию в самом начале третьего фильма.
        Перед этим он успел заявить о себе как режиссер в мультсериале "Конан" (1978). Это был первый мультсериал, показанный японской государственной телекомпанией Эн-Эйч-Кей.
        После дебюта на телевидении Миядзаки снял для компании Токио Муви Синся свой первый кинофильм "Люпен III, Замок Калиостро" (1979). Отражая склонности режиссера и впадая в противоречие со своим привычным образом, Люпен вернулся к благородству деда. Его внешность, к сожалению, была предопределена комиксом, зато красавица Кларисса и главный злодей, граф Калиостро, - уже несомненные герои Миядзаки. Рука мастера чувствовалась и в бешеном развитии сюжета, и в декорациях сказочного европейского замка. Об авторе впервые заговорила широкая публика. В опросе, проведенном журналом "Анимэйдж", Кларисса была признана лучшей мультипликационной героиней, и единственное, к чему могли придраться критики - что персонажи слишком хороши.
        Расстаться с Люпеном Миядзаки удалось только через год, за который, работая в компании Телеком, он сделал под псевдонимом две серии для второго после 1971 г. телесериала "Люпен III": "Альбатрос, крылья смерти" (1980) и последнюю, "Прощай, милый Люпен!" (1980).
        Последней работой Миядзаки на телевидении стал совместный с итальянцами сериал "Знаменитый сыщик Холмс" (английское название "Sherlock Hound", 1982-1986) с героями-собаками и множеством немыслимых машин, но после первых шести серий съемки были остановлены и возобновились позже уже без его участия.
        В феврале 1982 г. в журнале "Анимэйдж", том самом, читатели которого так полюбили Клариссу, оставшийся временно без дела Миядзаки начал печатать роман в картинках "Навзикая из Долины ветров" (1982-1995). За эти годы у него накопились невостребованные сюжеты, планы и замыслы, и чтобы как-то реализовать их, пришлось обратиться к форме комикса.
        Издатели поставили ему условие не экранизировать "Навзикаю", однако вскоре сами же попросили снять пятнадцатиминутный эпизод. Миядзаки отказался делать фильм длиной меньше часа, и, в конце концов, было принято решение о полнометражной двухчасовой картине.
        Пришла очередь Миядзаки приглашать друзей работать над своим проектом; продюсером стал Такахата. Компания Токума, издатель "Анимэйджа", не имела собственной мультипликационной студии, и "Навзикая из долины ветров" (1984) увидела свет на студии Топкрафт (эта студия известна в основном участием в западных фильмах, среди которых "Хоббит" 1978 г. и "Последний единорог" 1982 г.).
        История принцессы с экзотическими средневековыми декорациями, рыцарями, танками, воздушными боями, насекомыми высотой с дом, с экологической темой и величественным философским звучанием буквально потрясла Японию. Сорокатрехлетний Миядзаки стал классиком.
        Главная героиня, Навзикая, немедленно заняла первое место в опросе журнала "Анимэйдж" и продержалась на вершине до 1991 г. Между прочим, кое о чем говорит и происхождение ее преемницы на этом посту, героини телесериала "Надя из неведомой страны" (английское название "The Secret of Blue Water", 1989). Сериал был снят студией Гайнакс, но в его основу лег замысел фильма "Вокруг света морем за 80 дней", который в конце 70-х создал все тот же Миядзаки.
        Издательство Токума поспешило закрепить успех. В апреле 1984 г. была основана фирма Нибарики, что в переводе значит "Две лошадиных силы" - видимо, объединенные усилия ее владельцев, Миядзаки и Такахаты, - а в 1985 г. появилась легендарная студия Джибли. Ее название происходит от итальянских самолетов-разведчиков времен второй мировой войны, которые, в свою очередь, получили имя от горячего ветра, дующего из пустыни Сахара.
        Все ждали, что следующий фильм будет если не продолжением "Навзикаи", то хотя бы вариацией на ту же тему, но Миядзаки не собирался сам себя загонять в рамки шаблона. Возглавив собственную студию, он, наконец, получил возможность без помех проводить в жизнь свой принцип: снимать не то, что модно или что было хорошо принято в прошлый раз, а то, что особенно необходимо зрителю.
        Миядзаки обратился к японским детям, которые, по его мнению, разучились мечтать и верить в приключения, и заново распахнул для них горизонт своим фильмом "Небесный замок Лапута" (1986). Название отсылает к Свифту, но гораздо сильнее влияние Жюля Верна. Это никогда не существовавший, но убедительный и проработанный до мелочей мир дирижаблей с пропеллерами и паровым двигателем, первых автомобилей и паровозов, рудников и башен, в небе над которыми летает загадочный древний замок.
        "Лапута" не принесла золотых гор, но оправдала себя достаточно, чтобы за ней последовал следующий фильм. Это был двойной проект, встревоживший спонсоров студии. Такахата был вынужден обратиться в другое издательство, а компания Токума едва решилась поддержать Миядзаки, настолько необычная пара фильмов вышла на киноэкраны: трагическая антивоенная картина Такахаты "Могила светлячков" (1988) и сказка Миядзаки "Сосед Тоторо" (1988).
        Триумф "Навзикаи" повторился, премьера вошла в историю японской анимации. По данным опросов, "Тоторо" уступил в народной любви только "Семи самураям" Куросавы. Деревенская идиллия конца 50-х, с рисовыми полями, холмами и перелесками, рассказ о встрече ребенка и природы разбудил в старших зрителях воспоминания детства. Позже японские борцы с неумеренным расширением городов сделали Тоторо, симпатичного мохнатого хранителя леса, своей эмблемой.
        Настоящим коммерческим успехом оказался следующий фильм Миядзаки, "Ведьмина почта" (английское название "Kiki's Delivery Service", 1989), экранизация одноименной повести Э.Кадоно. Однако сам мастер остался недоволен. Он рассчитывал поручить эту работу молодому коллективу Джибли, но сначала ему не понравился предложенный сценарий, потом оробел и отказался от проекта режиссер, и в результате Миядзаки пришлось все делать самому. Тем не менее "Ведьмина почта" достойна любви зрителей хотя бы за великолепные пейзажи, над которыми летает на метле тринадцатилетняя ведьма: вымышленный европейский город, где она живет - смесь Неаполя, Лондона, Парижа и Стокгольма.
        В 1991 г. Миядзаки выступил как продюсер для фильма своего сподвижника Такахаты "Слезы о прошлом" (английское название "Only Yesterday", 1991).
        Как ни удивительно, все это время в журнале "Анимэйдж" продолжала печататься "Навзикая из Долины ветров". История усложнялась, обрастала новыми героями и уходила все дальше от фильма, порой превращаясь для автора в тягостный пересмотр мировоззрения. В какой-то момент развитие сюжета потребовало изобразить крах империи. Миядзаки переживал, не слишком ли отступил от правдоподобия - как вдруг столь же стремительно распался Советский Союз...
        Устав от детского кино, Миядзаки взялся за короткий мультик для показа во время международных авиаперелетов, положив в основу собственный комикс о самолетах 30-х годов "Век гидропланов" (английское название "Crimson Pig", опубликован в журнале "Animerica" том 1 N 5-7, 1993). Предполагалось, что фильм будет чисто развлекательным, для чего подходил и главный герой, пилот ярко-красного гидроплана, говорящая свинья. Но обстановка предвоенной Адриатики, где происходило действие, перекликалась с реальными событиями на Балканах и настраивала на серьезный лад.
        Задуманная легкая комедия превратилась в один из самых необычных фильмов студии Джибли, "Порко Россо" (1992), где свинья-пилот становится почти трагическим персонажем, а гротеск перемешан с пронзительной романтикой. Картина имела коммерческий успех, к некоторому удивлению автора.
        В 1994 г. Такахата выпустил фильм о героях японского фольклора, енотовидных собаках-тануки "Помпоко, война тануки" (1994), а Миядзаки закончил, наконец, последний, седьмой том "Навзикаи", озадачив поклонников фильма тревожной развязкой.
        В рисованном кинематографе Миядзаки был прочно признан одной из самых крупных фигур, но он не стремился монополизировать влияние и славу. Ёсифуми Кондо, который в свое время был главным аниматором "Замка Калиостро" и "Ведьминой почты", выступил как режиссер следующего фильма студии Джибли – "Шепот сердца" (английское название "Whisper of the Heart", 1995). Однако и в этом произведении, прежде всего, чувствуется рука Миядзаки как автора сценария и художника-постановщика.
        При высочайшем классе рисунка студия Джибли славится настороженным отношением к техническим новинкам, но в "Шепоте сердца" был применен цифровой звук и элементы компьютерной графики. Миядзаки продолжил эксперименты с компьютером в шестиминутном клипе "On Your Mark" (1995) на песню японского рок-дуэта "Chage & Aska", готовясь к следующей большой работе.
        Этой работой стала монументальная, философская и мрачная кинокартина "Волчья принцесса" (английское название "The Princess Mononoke", в российском видеопрокате "Принцесса Мононоке", 1997). Снова рискованный проект, поскольку исторические фильмы непопулярны, а действие происходит в Японии XVII в., и снова восторг зрителей, наглядно показавший, что настоящий художник может, если захочет, переломить моду. Коммерческий успех фильма отчасти парадоксален, поскольку из всех произведений Миядзаки на сегодняшний день "Волчья принцесса", пожалуй, находится дальше всего от развлекательного кино.
        Несмотря на заявления, сделанные перед выходом "Волчьей принцессы", Миядзаки не оставил кино. 2001 г. ознаменовался фильмом "Сэн" (английское название "Spirited Away"). По жанру это сказка, красочная и экзотическая, о приключениях десятилетней девочки в волшебном мире, но Миядзаки остается верен себе, стремясь, чтобы зрители получили не только радость, но и пользу для своего мировоззрения.
        "Сэн" имела громкий успех в Японии и совсем невероятный за ее пределами: в 2002 г. - премия Берлинского кинофестиваля, в 2003 - "Оскар 2003" в номинации "Лучший анимационный фильм". Для всех ценителей японского кино за пределами Японии это, без преувеличения, историческое событие, поскольку официальное международное признание "Сэн" открывает дорогу другим хорошим фильмам.
        Новейший фильм режиссера - "Бродячий замок Хаула" (английское название "Howl's Moving Castle") по книге британской писательницы Дианы Уинн Джонс. Премьера состоялась на Венецианском кинофестивале 5 сентября 2004 г., а 11 сентября фильму был присужден приз за техническое мастерство.

Отредактировано Димон (2007-04-22 21:19:24)

0

10

Мамору Осии

Мамору Осии (родился 8.08.1951, Токио) – один из самых талантливых современных аниме-режиссеров.

Начав как кинорежиссер, он вскоре ушел в анимацию и прославился после работы режиссером в телевизионной экранизации манги Румико Такахаси "Несносные пришельцы" (1981-1986). Он же делал и часть полнометражных фильмов по мотивам этой манги. В 1983 году сделал на Студио Пьерро первый в истории Японии OAV-сериал "Даллас: Приказ уничтожить Даллас".

В 1984 вместе с Ёситакой Амано сделал странный, но очень красивый и ставший культовым OAV "Яйцо ангела". Затем в 1988 году он стал режиссером OVA-сериала "Патлабор" и снял два полнометражных одноименных аниме по этому сериалу (1989 и 1993 соответственно).

В 1996 году Осии стал известен во всем мире с выходом на экраны Японии, Великобритании и США экранизации манги Масамунэ Сиро "Призрак в Доспехе" ("Ghost in the Shell") – нового слова в развитии аниме. Помимо этого, Осии снял несколько фильмов с "живыми актерами", писал сценарии и романы.

Осии – близкий друг Хаяо Миядзаки, у них часто намечались совместные проекты, но ни один из них, к сожалению, не был доведен до конца.

Осии более циничен, чем Миядзаки, и тоже привержен принципам анимационного реализма, особенно проявившимся в "Призраке". В фильме самым тщательным образом проработаны мельчайшие графические подробности, использовалось огромное количество реальных кино- и фотосъемок местностей и предметов. Этим достигнуто доселе невиданное в аниме техническое совершенство, единодушно отмечаемое и критиками, и зрителями.

0

11

Кацухиро Отомо

Кацухиро Отомо (родился в апреле 1954 года, префектура Мияги) – один из известнейших мангак и режиссеров аниме. С детства любил западное кино и литературу, которые оказали сильное влияние на его творчество.

Первой действительно популярной мангой Отомо была "Детские сны" (1980). В 1983 году она получила престижную премию – Гранпри японской НФ. Это был первый случай, когда премия присуждалась манге.

В 1982 году Отомо начал издание манги "Акира" в юношеском журнале "Янг". Именно фильм «Акира» стал провозвестником апокалиптического трагического стиля и вывел искусство и уровень повествования в манге на новые доселе невиданные высоты.

В 1988 году по мотивам "Акиры" сам Отомо снял одноименный полнометражный фильм, первое аниме с 24 кадрами в секунду, ставшее широко известным не только в Японии, но и за рубежом. С 1990 года Отомо перестал рисовать мангу и стал писать только тексты, оставляя рисунок другим.

В 1991 году Отомо написал мангу "ЗеД" ("ZeD"), посвященную новой актуальной проблеме жизни современной Японии – проблеме старости. О самой манге критики отзываются без особого воодушевления, зато ее аниме-экранизация (сделанная не Отомо) под названием "Старик Зет" стала весьма популярной.

В 1995 году Отомо собрал свои старые рассказы и экранизировал их в аниме под названием "Воспоминания". Это сборник из трех историй совершенно разных стилей и направлений.

Эстетика произведений Отомо близка эстетике современного европейского и американского радикального комикса, истоки которого находятся в философии движения панков. Отсюда и интерес Отомо к подросткам и старикам, постоянно встречающиеся в его манге и аниме, идея Конца Света, сатирическое отношение к новым "спасительным" религиям и современному обществу.

0

12

Ринтаро

Ринтаро (настоящее имя Хаяси Сигэюки) (22.01.1941) – один из наиболее значительных режиссеров аниме.

Он начал работать фазовщиком в "Тоэй Дога" в 1958 году. После того как Осаму Тэдзука создал Муси Продакшнз, Сигэюки пошел работать туда. Именно во время работы в Муси он взял себе псевдоним Ринтаро. Там он сначала стал аниматором, а потом и режиссером, принимал участие в создании телесериалов "Могучий Атом" (1963-1966), "Император джунглей" (1965-1966), полнометражного фильма "Император джунглей" (1966). В 1971 году он ушел из Муси на "вольные хлеба" и сотрудничал с целым рядом студий, особенно с Тоэй и Мэдхаус.

Он снял такие фильмы и сериалы как "Джет Марс" (1977), "Галактический экспресс 999" (1979), "Великая Война с Гэммой" (1983), "Божественный Меч" (1985), "История столицы" (1991-1992), "Мечты оружия" (1993), "Икс" (1996) и аниме-клип "X?" (1993) на песню рок-группы "X-Japan".

Ринтаро – не самый признанный аниме-классик. Несмотря на то что он был режиссером большого количества известнейших фильмов, его имя все равно мало кто знает.

Связано это с тем, что Ринтаро не выработал своего оригинального стиля. Но его главное достоинство состоит не в стиле. Оно – в высочайшем профессионализме мастера, умении создавать поражающие воображение фильмы, с легкостью меняя стили и жанры. Но все-таки тяготеет Ринтаро к драматическим лентам, сочетающим совершенство графики и высоту трагизма сюжета.

0


Вы здесь » Форум об аниме и мечтах. » Вокруг аниме » История Аниме